In 1930, Henri Matisse, unul dintre gigantii artei secolului al XX-lea, s-a trezit intr-o criza creativa descurajatoare. La varsta de 60 de ani, pictorul locuia de 13 ani in Nisa, Franta, dupa ce a petrecut ani la Paris ca un enfant terrible al lumii artei de avangarda a orasului. Izolat de zgomotul scenei picturii din Paris, Matisse s-a concentrat pe infatisarea modelelor feminine ademenitoare in amenajarile de studio interioare, folosind modele vii si culori stralucitoare luminate de lumina mediteraneana.
In timp ce a cazut intr-o repetare stilistica, unii critici, impreuna cu Matisse insusi, s-au intrebat daca artistul odata radical si-a pierdut avantajul. „M-am asezat de mai multe ori pentru a picta ceva”, i-a scris fiicei sale, Marguerite, in 1929. „Dar in fata panzei, sunt fara idei”.
Acum, o expozitie superba si provocatoare la Muzeul de Arta din Philadelphia arata cum Matisse s-a eliberat de stagnarea picturii sale la sfarsitul anilor 1920 si s-a transformat intr-un artist decorativ reinviat in anii 1930. Matisse din anii 1930 este prima expozitie majora care priveste evolutia pictorului in aceasta faza a vietii sale lungi si creative. Prezentand 143 de lucrari, ofera o oportunitate rara de a explora procesul lui Matisse, in timp ce acesta a trecut printr-un declin productiv – mai ales relevant astazi, dupa ce multi artisti s-au confruntat cu izolarea si paralizia creativa in timpul pandemiei de Covid-19.
Curatoriata de Matthew Affron de la Muzeul de Arta din Philadelphia, Cecile Debray de la Musee de l’Orangerie, Paris si Claudine Grammont de la Musee Matisse Nice, expozitia calatoreste in Franta in martie si, pe parcurs, se intreaba cum poate un artist sa avanseze dupa o criza creativa? Ce este nevoie pentru a mentine un impuls creativ de-a lungul vietii? Un studiu recent Americans for the Arts a constatat ca 64% din 20.000 de artisti chestionati au declarat ca au experimentat o scadere a productivitatii lor creative in timpul pandemiei. Mai mult de jumatate au spus ca declinul lor s-a datorat stresului, anxietatii si depresiei legate de starea lumii. Productia de pictura creativa a lui Matisse a scazut in timpul inceputului unei crize economice la nivel mondial, a ascensiunii fascismului in Europa si, mai imediat, a sentimentului personal ca abordarea sa fata de pictura de sevalet era in criza.
Organizat cronologic, Matisse in anii 1930 incepe cu o privire asupra perioadei de la Nisa, exemplificata de voluptuoasa sa Odalisca cu pantaloni gri (1927). Un model seducator in pantaloni harem sta pe un patul verde, inconjurat de modele stralucitoare de pereti rosu si galben. Pictura de piatra de incercare este destul de uimitoare, la fel ca si altele din aceasta sectiune. Dar dupa ce parasim incaperea plina de nud dupa nud placut, vedem o fixare. Se pare ca in afara lumii zgomotoase a artei pariziene, Matisse devenise poate multumit la sfarsitul carierei sale, intorcandu-se spre interior, pictand lumi de studio interioare in perspectiva traditionala. , iluminat de soarele mediteranean izbitor.
Parea ca Matisse a interiorizat ceea ce spuneau criticii: cei mai buni ani ai sai ca pictor renegat erau in urma.
„Fixarea poate juca un rol in blocurile creative”, spune profesorul si expertul in creativitate de la Universitatea Yale, Jonathan S Feinstein, autorul cartii viitoare, Creativity in Large-Scale Contexts. Pentru o persoana creativa, spune Feinstein, fixarea inseamna ca un artist a folosit o anumita mentalitate, un set de instrumente, teme sau stiluri si apoi devine fixat pe acest mod de a vedea lumea si de a crea.” Poate fi dificil din punct de vedere psihologic sa rupe fixatia pentru ca acest mod de a gandi s-a intarit in mintea ta de-a lungul anilor de gandire, in acest caz pentru Matisse, abordarea lui asupra picturii”, adauga Feinstein.
Iar criticii de la acea vreme au observat. Pana in 1927, ei il priveau pe Matisse drept „pictorul imbatranit al odaliscurilor”, conform catalogului expozitiei, „omul descris de Andre Breton drept „un leu batran descurajator si descurajat”. In plus, productia sa de pictura de sevalet a scazut si, intre 1928 si 1929, a produs doar cateva lucrari in ulei pe panza, desi inca deseneaza si lucra in sculptura. Parea ca Matisse a interiorizat ceea ce spuneau criticii: cei mai buni ani ai sai ca pictor renegat erau in urma.
Experta in creativitate Julia Cameron, a carei carte din 1992, The Artist’s Way, a ajutat mii de artisti din intreaga lume sa isi valorifice si sa-si mentina creativitatea dupa un blocaj, observa ca chiar si artisti la fel de renumiti precum Matisse pot interioriza criticile si pot cadea intr-o criza. „Acest lucru este adevarat chiar daca am avut recenzii minunate in trecut”, spune ea.
Unul dintre cei mai renumiti artisti contemporani din lume, disidentul chinez Ai Weiwei, care a fost recent in Hyde Park din Londra, dand arta pentru a sprijini refugiatii globale, spune ca a trecut printr-un bloc creativ similar cand s-a mutat din SUA inapoi in China in 1993, desi fara criticile cu care s-a confruntat Matisse. Dupa 10 ani de productie de fotografie notabila in timp ce studiam arta la New York, la mutarea sa in 1993, „am devenit foarte confuz pentru ca nu am putut gasi o relatie adecvata cu cultura chineza, desi eram familiarizat si nefamiliarizat cu ea”. „De fapt, am vrut sa evit, dar nu am putut procesa cum”.
Ai trebuia sa ramana in China pentru a trece prin blocul sau. Dar la sfarsitul anilor 1920, cand Matisse si-a dat seama ca trebuie sa-si revitalizeze creativitatea, a inceput sa calatoreasca, mai intai in Tahiti si apoi in SUA.
Artista americana de instalatii abstracte Judy Pfaff, care a fost puternic influentata de Matisse cand a inceput sa picteze in anii 1970, spune ca calatoriile ii ajuta pe multi artisti ca ea sa revigoreze creativitatea atunci cand se simt blocati. „Calatoriile m-au facut sa merg inainte”, a declarat castigatorul premiului MacArthur Foundation. „Ori de cate ori ma aflu intr-un loc nou, fie ca este India sau China, asta se incorporeaza in munca mea”.
Gasirea unui stil nou
Dupa ce a facut un turneu prin SUA cu trenul, in toamna anului 1930, Matisse a mers la Philadelphia pentru a-l intalni pe colectionarul Albert Barnes la fundatia sa educationala din una dintre suburbiile orasului. Acolo, Barnes l-a confruntat usor pe pictorul imbatranit, subliniind ca picturile sale de la Nisa erau senzuale si atragatoare, dar putin usoare in comparatie cu lucrarile anterioare, potrivit Cynthia Carolan, profesor la Fundatia Barnes, aflata acum in inima Philadelphiei. Barnes i-a oferit lui Matisse o comanda: sa creeze o pictura care sa se potriveasca cu acele arcade masive deasupra ferestrelor din noua sa galerie. Matisse a acceptat comisionul si, la randul sau, s-a confruntat cu o provocare enorma. In primul rand, nu a creat niciodata ceva atat de mare, noteaza Carolan: zona muzeului pentru pictura murala era de aproximativ 45 de picioare (13. 7 m) latime si trei panze separate au fost necesare pentru a se potrivi deasupra a trei ferestre. In al doilea rand, nu a trebuit niciodata sa faca un tablou sa se potriveasca cu proportii precise din punct de vedere arhitectural, ceea ce este mult mai complicat decat pictarea pe o panza portabila.
Pentru a incepe proiectul, Matisse s-a uitat inapoi la o pictura anterioara pe care a realizat-o in 1910, numita The Dance II, o piesa insotitoare a The Dance I, realizata in 1909. Prima pictura de dans a reprezentat una dintre primele intorsaturi ale lui Matisse catre o abordare mai simplista a pictura, folosind elementele de baza de linie, culoare si forma. Reactionand la introducerea fotografiei, care ar putea reda detaliile mult mai realist decat ar putea un pictor, The Dance I a fost o incercare de a impinge pictura sa transmita emotii prin elemente vizuale de baza, mai degraba decat sa concureze cu capacitatea unei fotografii de a descrie realitatea exacta.
Matisse a folosit diverse metode in maniere subversive – Ai Weiwei
Fotografiile, planurile si schitele preliminare din expozitie detaliaza modul in care Matisse a rezolvat aceste provocari. Pentru a crea pictura murala, a inchiriat un garaj suficient de mare pentru a lucra la panzele imense. Dorind miscare in piesa, el s-a uitat inapoi la munca sa anterioara pentru a merge mai departe si a decis sa recreeze un grup de dansatori din The Joy of Life (1906) ca baza pentru ceea ce va deveni The Dance II. Mai intai a facut un mic desen si l-a aruncat in aer pentru a se potrivi panzei, dar proportiile au fost dezactivate, potrivit lui Carolan. Trebuia sa gaseasca o modalitate de a-si schita desenul pe o panza mare, unde ar fi dificil sa-l sterga sau sa picteze peste el pentru a face modificari.
Matisse si-a dat seama apoi ca instrumentele sale normale de vopsele in ulei si pensule nu ii pot face viziunea sa prinda viata, asa ca a gasit altele noi. El a inceput prin a folosi un stalp lung de bambus atasat de un creion ca instrument de desen alungit pentru a schita formele dansatorilor. Apoi, de-a lungul lunilor, a incercat sa taie bucati mari de hartie precolorata si le-a fixat, ceea ce a ajutat la stabilirea proportiilor piesei. Pentru prima data, Matisse a folosit foarfecele ca unealta de arta, dand startul erei renumitelor sale decupaje. De asemenea, a inceput sa foloseasca o camera pentru a-si documenta procesul, astfel incat sa poata compara schimbarile de la o zi la alta.
Matisse a petrecut trei ani in The Dance si, in acest proces, a marcat o intoarcere la un stil modernist, creand in cele din urma o compozitie dinamica infatisand corpuri care par sa sara peste spatiul abstract de campuri roz si albastre. „El a fost capabil sa-si transforme munca creativa printr-un anumit tip de mediu si instrument”, spune Ai Weiwei. Majoritatea artistilor lucreaza de obicei intr-o directie inversa, subliniaza el, si folosesc tehnici familiare pe diferite subiecte. „Matisse a folosit diverse metode in maniere subversive”, adauga Ai, iar in procesul incercarii de a stapani aceste metode, a aparut un limbaj artistic care i-a permis maestrului francez sa intre intr-o stare de creativitate relativ libera.
Matisse s-a intors la picturile cu natura moarta si modelul care urmareau sa evoce emotii pure, care nu mai sunt ascunse de recenzii sau fixatii negative.
Ultimele sectiuni ale expozitiei sunt revelatoare, prezentand noul stil al lui Matisse, care a distilat picturile pana la o linie pura si o culoare indrazneata. De exemplu, in Odalisca galbena din 1937, mintea lui Matisse nu se mai limita la ideile de perspectiva si la infatisarea unei realitati interioare. In schimb, pictura prezinta o compozitie aplatizata cu un desen negru in blocuri stralucitoare de galben, gri si rosu. Femeia luminoasa si decorativa Woman in Blue (1937) reflecta, de asemenea, noul limbaj artistic al lui Matisse, concentrandu-se pe un echilibru de seninatate intre liniile goale si miscarea modelului. Cu un nou asistent de studio si model, Lydia Delectorskaya, Matisse era acum revigorat si mai putin interesat de perspectiva decat de modul in care spatiul interactiona intre obiecte si modele. S-a intors la picturile cu natura moarta si model, cu scopul de a evoca emotii pure,
Trecerea lui de la pictura pe panza la utilizarea decupajelor de hartie prepictate in The Dance a influentat profund generatiile de artisti contemporani, de la Romare Bearden la Robert Motherwell si Pfaff. In cele din urma, expozitia demonstreaza ca Matisse si-a respectat propriile cuvinte celebre: „Un artist nu ar trebui sa fie niciodata prizonierul sau, prizonierul stilului, prizonierul reputatiei sau prizonierul succesului”.
Cand Ai Weiwei a fost retinut de autoritatile chineze timp de aproape trei luni in 2011, nu avea nicio modalitate de a crea arta, spune el. In schimb, si-a provocat mintea sa inteleaga oamenii care l-au inchis si sistemul in care lucrau, spune el. „Inchisoarea pentru mine este o pregatire speciala pentru o limba, un nou mod de a vorbi in loc de ceea ce este inteles in mod obisnuit ca o privare de libertate”.
Ai a depasit provocarea de a iesi cu o noua putere si o noua perceptie asupra modului de a fi creativ, continuand sa faca unele dintre cele mai captivante si mai provocatoare lucrari ale sale din 2012 incolo. „Tipul de libertate pe care l-am obtinut acolo a fost ceva ce nu as fi putut [dezvolta] daca nu as fi fost inchis in primul rand”, spune el.
La fel ca Ai Weiwei, lucrand la crearea The Dance, Matisse a rupt carantina propriei minti pentru a iesi la celalalt capat cu un nou stil revolutionar de exprimare creativa. Noua sa concentrare, strict pe linii simple si culori indraznete, reprezinta o indepartare completa de la realism, vorbind mai degraba asupra emotiilor sale si ale spectatorilor sai decat doar intelectului. Inventia decuparilor a rezultat dintr-un proces creativ profund care a continuat sa influenteze artistii si sa vrajeasca publicul in secolul urmator.
